DESNUDO POR EXIGENCIAS DEL GUIÓN

Obligado a permanecer en la penumbra debido al calor que me agobia, a punto estoy de desembarazarme de lo poco que llevo puesto, unos bóxer Calvin Klein del año la tana y caminar libre como Tarzán.

Johnny Weissmuller en 1932, en los tiempos en los que podía lucir carne.
Foto: Colección Davidjason

Nadie me lo impide, Escolopendra Venenossa desde su grieta, está harta de verme corretear de un sitio para otro ligero de ropa, cual starlette de serie B.

¡Siempre por exigencias del guión, como debe ser!

Cuento además con la ventaja de que aquí somos bastante rácanos en cuestión de espejos y como solo tenemos uno de cuerpo entero, con no acercarse donde está,  no hay problema.

-Espejito, espejito: ¿Quién es el tipo más mono de Crystal Lake?

-¡Desde luego que tú no!

Y se te acaban las ganas de pasearte delante del maldito espejo y hacer monerías (a las que soy muy aficionado) sin nada de ropa.

Marlene y su eterno amigo retratada por Don English en 1932.
Foto: Colección Davidjason

Una cosa es estar fresquito y otra muy distinta ser consciente, viendo tu reflejo, de que no eres un Adonis. Sobretodo nada más levantarte por las mañanas legañoso, despeinado y con rebabas...

¡Qué envidia que me dan los animales! En pelotas todo el día y siempre quedan bien en cualquier situación.

Frankie y sus cosas de perros...
Foto: Davidjason

La verdad que puestos a elegir, muchas personas están mejor al natural que vestidos. En la playa por ejemplo, muchos estarían mejor sin nada encima, que embutidos en bañadores que les dan formas imposibles. El cuerpo a su libre albedrío casi que me resulta más estético.

Como tengo amigos que me acusan de “gordofobia”, he de decir que no estoy faltando al respeto a nadie, estar en su punto no es cuestión de kilogramos. Para faltar (ignorar seria más apropiado) a alguien, no me guío por su físico. Fijándome en su actitud o cruzando un par de palabras ya me lo han dicho todo.

Davidjason saliendo del mar.
Foto: María Escolopendra Venenossa

Puestos a elegir prefiero una persona rellenita antes que a los excesivamente delgados, con sus cuerpos marcando músculos, tendones, costillas, caderas… Parecen estar más cerca de la mojama que de una persona normal. Si encima se tuestan al sol, no te quiero ni contar…

Como siempre le digo a mi amiga Bamba Negra: ¡¡Estar delgado no es sinónimo de tener buen tipo!!

Una clase de arte en el museo de Brooklyn en 1935.
Foto: Archives of American Art

En las clases de dibujo de mis años de estudiante en la Escuela de Arte, comprobé que era mucho más interesante tener delante a un modelo normalito que uno que presumía de “buen tipo”. Años después cuando pase a estudiar diseño de Moda, muchas modelos al desnudarse para las pruebas perdían todo su encanto...

Hedy Lamarr en Extasis (1933), película polémica en su día.
Foto: Google

Pues bien, aquí estoy dudando de sacar mis vergüenzas al aire este verano o mismamente en casa, cuando reflexiono (siempre desde la perspectiva del glamour), en momentos de desnudez impresos en mi memoria como el de Hedy Lamarr en “Extasis” (1933), los desnudos más o menos velados de las películas de Cecil B. DeMille y en mayor medida, los de Johnny Weissmuller y Maureen O'Sullivan en los Tarzanes de la Metro, antes de que la censura acabara con sus minúsculos taparrabos.

Venenosos salu2 desde Crystal Lake!!

LANA, LA ÚLTIMA DIOSA

Nunca he sentido una especial atracción hacia Lana Turner, hasta que hace poco leí la autobiografía de su hija Cheryl Crane, “Una Tragedia en Hollywood” (Ediciones B, 1989) y recupero (en parte) para mi mitomanía, a una estrella tanto dentro como fuera de la pantalla.

Lana en los comienzos de su carrera estelar.

Descubro que fue, pese a lo que muchos puedan pensar, una de las últimas grandes estrellas que nos dio la gran factoría de sueños que fue Hollywood. Matizo que descubrir, no descubro nunca nada. Prácticamente todas las actrices del Hollywood Clásico y en especial de la época del Star-Sytem, me son de sobra conocidas.

Mi primer recuerdo de La Turner, Lanita para sus amigos, es su aparición en ese clásico semejante a un gran musical que es “Los Tres Mosqueteros” (MGM, 1948). Las películas de capa y espada o musicales no son mi fuerte, y si contamos que aquí aparecía Gene Kelly acompañado de la simplona June Allyson no digo más…

Lana como Milady de Winter en "Los tres mosqueteros".

Pero gracias a que años atrás solo teníamos dos canales de tv y la gran afición de mis padres por el cine, allí estaba yo sentando delante de la tele, contemplando lo único que me hacía no perder detalle de las aventuras de D´Artagnan y sus amigos: Milady de Winter con los rasgos de Lana Turner. Para añadir más puntos a la película, aparecía Vincent Price como el Cardenal Richelieu.

Esa fue mi primera impresión de Lana. En maravilloso technicolor, con su famoso rubio champagne, haciendo de mala, como no podía ser de otra manera.

¡¡Las malas siempre me han atraído mucho más que las buenecitas!!

Luego no dejé escapar la ocasión de repetir la experiencia de volver a verla como Milady, en un papel que, como cuenta su hija, no le hizo mucha gracia. ¿Demasiada competencia estelar para Turner? ¿Un segundo puesto en los títulos de crédito?

Junto a Ingrid Bergman y Spencer Tracy en "El extraño caso del doctor Jeckyll".

Posteriormente la volví a ver en grandes películas, hoy clásicos del cine en blanco y negro. “El cartero siempre llama dos veces” (MGM, 1946) que la lanzó al estrellato o “Cautivos del mal” (MGM, 1953). También la tenía localizada en otras películas como: “El extraño caso del doctor Jeckyll” (MGM, 1941), pero aquí más por mi gusto hacia otra actriz, Ingrid Bergman.

Como cosa curiosa, me llamó la atención en “Las chicas de Ziegfeld” (MGM, 1941), a la mayor gloria de Judy Garland e inexplicablemente obvié a Hedy Lamarr. Todavía hoy no me explico cómo pudo pasar esto. A Hedy le faltaba todavía mucho para que me impactara con “Argel” (United Artists, 1938).

Con Hedy Lamarr en "Las chicas de Ziegfeld".

Como siempre y como he dicho muchas veces, la sombra de Dietrich era muy larga y monopolizaba por entero mi interés.

Ahora no sé si por la edad, que hace tiempo me hizo más flexible o por la nostalgia de un cine que nunca volverá a ser, las grandes estrellas recuperan una parcela que siempre tendrían que haber ocupado. En este punto llega Lana y llega para quedarse.

Lana junto a Clark Gable, otro dinosaurio de la Edad de Oro.

Lana Turner, al igual que Clark Gable, actor que tuvo su entrada en este blog por idénticos motivos, fue una estrella (de una estirpe de las que ya no quedan) que luchó con uñas y dientes para mantener su reinado en las postrimerías de un cine en extinción. Se asemejaba mucho al Rey. Su reinado bien entrado los años 40, tutelado por la todopoderosa Metro, terminó prácticamente con el final del Star-System a principios de los años 50.

Esto no quiere decir que desapareciera. Al igual que Joan Crawford, una diva anterior y muy distinta a la Srta. Turner, se reinventó y luchó contra el hándicap de la edad (que no sufrían los hombres) para mantenerse en el cine hasta finales de los 60, si bien sin el esplendor de antaño aunque con la misma actitud.

Cuenta la leyenda más o menos verídica, que fué descubierta por un cazatalentos cuando merendaba en una cafetería. De infancia difícil pero de auténtica superviviente, su ambición y atractivo le abrió las puertas de la MGM. Más carnal que las estrellas de la generación anterior, en principio, recibió el rechazo de la comunidad de Hollywood de los años 30.

Intervino en varias películas a finales de la década, pero la entrada de EEUU en la Segunda Guerra Mundial, que derivó en un cambio generacional y en los gustos del público, la aupó como una de las estrellas más populares de los años 40. Junto a Rita Hayworth y Betty Grable formo el trío favorito del ejército americano y se convirtió en un símbolo sexual de su época.

Más bella que actriz, es posible que no se preocuparan en sacar más partido de sus posibilidades, pues en las películas citadas demostró que no era tan mala actriz como se suponía e incluso mejor que muchas. Siempre se limitó a hacer lo que se le pedía. Disciplinada, podía volver de una fiesta a las 3 de la madrugada y levantarse a las 6 de la mañana.

Se paseó por los estudios de la MGM (y fuera de ellos) como una auténtica reina. Si bien es verdad que una reina generosa y amable en muchas ocasiones. Las penurias que pasó de niña la apremiaron a, como una Scarlett O´Hara, no pasar nunca más hambre y amasó fortuna que dilapidaba tan rápido como llegaba, en mansiones, fiestas y lujos varios.

Fortuna esta que repartía generosamente a partes iguales tanto a la familia como a amigos, maridos y amantes. Su hija cuenta que se jactaba de pagarse todo ella misma y no dejarse mantener por nadie. También nos hace saber, que esa generosidad, era más bien material porque en lo sentimental era más bien avara, o hablando con más exactitud, según estuviera de humor.

Como buena diva que se precie, su carácter era tan voluble como el viento. En algunos momentos su propia hija no sabía muy bien si estaba hablando con su madre o con la Lana Turner de sus películas. Tras su apariencia de glamour, Lana escondía una personalidad tremendamente insegura.

Aunque como he dicho era muy disciplinada, Lana era un espíritu libre. Su altanería e inconformismo, junto a sus excesos en público le causaron más de un disgusto con la MGM, que la suspendió de empleo y sueldo en más de una ocasión.

Como a Gable, su galán en varias ocasiones, el fin del sistema de estudios y el cambio de década, le reportó el despido inmediato. A partir de este momento tuvo que ganarse las habichuelas por su cuenta, sin el apoyo y los cuidados que había recibido desde hacía casi veinte años, a saber: sueldo semanal, películas para su lucimiento y departamentos como el de vestuario y el de publicidad a su entera disposición. Además tenía que competir con las nuevas figuras, que emergían rápidamente arrinconando a las "viejas" glorias, pero imitando su estilo.

El despegue definitivo de la tv y un público que buscaba nuevas sensaciones y más realismo, precipitó la caída de ingresos de las grandes compañías y el modo de hacer películas hasta entonces. La competencia era feroz, pero Lana encontró su nicho especializándose en melodramas a todo color como: “Imitación a la vida” (Universal, 1959), que muchas veces copiaban descaradamente acontecimientos de su vida privada y que eran muy del gusto de las “marujas” de la época.

Lana mostrando poderío en Technicolor.

Por su papel en “Vidas borrascosas” (20th Century Fox, 1957), consiguió su única nominación al Oscar, arrebatado por Joanne Woodward (la mujer de Paul Newman). Lana fué la única de las otras nominadas que apareció en la ceremonia, aunque ya concienciada de que no iba a ganarlo. En la fiesta posterior a la gala, recibió en su mesa el reconocimiento de lo más granado del Hollywood de ayer y del momento, como rindiendo homenaje a una época del cine ya desaparecida. Incluso la premiada se acercó a saludarla.

Para entonces Lana había dejado atrás a todas sus contemporáneas, incluso a su gran amiga Ava Gardner.

Junto a su amiga de juergas varias Ava Gardner.

Encasillada durante los años 60, la crítica infravaloró su talento al limitarse a interpretar melodramas prácticamente calcados unos de otros.

Paralelamente su vida privada fue tan conocida por su público como sus apariciones en el cine, gracias a sus escándalos, pregonados a los cuatro vientos por la prensa sensacionalista. Contaba con una vida sentimental realmente agitada. Ocho matrimonios, dos de los cuales celebró con Stephen Crane, el padre de su única hija y una larga lista de amantes entre los que se encontraban: Clark Gable, Frank Sinatra, Victor Mature, Tyrone Power, Howard Hughes, Fernando Lamas...

Nacida en Idaho en 1921 como Julia Jean Mildred Frances Turner, se retiró definitivamente en los años 80 y nos dejó como Lana Turner un 29 de junio de 1995, víctima de un cáncer a la edad de 74 años.

Venenosos salu2 desde Crystal Lake.

Todas las fotografías son de mi colección.

EL PODER DE LA VIDA

Me gusta reflexionar sobre cada uno de los sucesos que me acompañan, sean estos transcendentales o directamente banales. Para mí todo lo que me rodea, me gusta o me disgusta forma un todo y es importante para mí. Sin esto no sería como soy.

La vida es un tren de largo recorrido con parada final e inevitable.

Puedes acompañarme o coger otra línea. Tu decisión me es indiferente, yo continúo en mi ruta, pero estaría bien que la hiciésemos juntos…

El tiempo pasa, la gente pasa…

Cada uno en este universo formamos parte de un todo, pero no debemos olvidar que somos únicos.

¿Por qué he llegado a tales pensamientos?

Pensareis que estoy loco... Ha sido por mí afición a las ratas.

Como muchos sabéis, comparto mi espacio con una Escolopendra, un perro (ay mi Frankie!!), una gata, un conejo y ahora con tres ratas. Hace poco nos dejó Frenchy. Para el que no lo sepa, una rata se puede dar por satisfecha con llegar a los 2 años y medio. Frenchy, había llegado a la nada desdeñable edad de 3 años y eso que tomé la decisión de eutanasiarla.

Pese a tener tres tumores, las patas traseras paralizadas y algunas cosas más que por respeto a ella no voy a mencionar, seguía luchando por seguir viva.

Cuando he estado a solas con ella, y sobre todo en sus últimos días, me he dado cuenta del poder de la vida. 

Estoy rodeado de personas y otros seres vivos, pero solo con las ratas y últimamente con Frenchy, he sido consciente de lo que realmente es la fuerza de la naturaleza. Pura fuerza vital. Primitiva y tan antigua como el comienzo de la vida en nuestro planeta.

¿Cómo es posible que un animalito tan pequeño y con una esperanza de vida tan corta tenga tanta energía? Me hipnotiza el poder que tienen las ratas.

Cuando las observo en la distancia o cuando las tengo cerca de mí, con sus pequeños cuerpos, tan inquisitivas, viviendo su vida día a día, comiendo, relacionándose entre ellas o conmigo, explorando su entorno, peleándose, confiadas en mis manos… Me maravillan y me hacen ver lo grande que es formar parte del universo.

Mientras escribo estas líneas se están peleando. Las oigo. ¿Qué se estarán diciendo? ¿Qué pensaran? No lo sé y nunca lo sabré. Qué lástima!! Seguro que  hablaran de cosas interesantes. ¿Estarán contentas conmigo?

Mi ego no puede evitarlo…

Ahora veo a una mosca posada en la pantalla de mi ordenador, está atusándose, con un golpe de la mano podría acabar con ella, pero: ¿quién soy yo para hacerlo? ¿Se lo merece? ¿Cómo será el mundo desde su perspectiva? ¿Por qué está aquí? ¿Por qué la tengo manía? Hay tantas cosas que me gustaría saber…

El ser humano es tan ignorante!! Nos preocupamos demasiado de nosotros mismos e ignoramos la vida de tantos seres que nos rodean… Nuestros hermanos menores, como me han apuntado hace poco.

Gracias Frenchy por enseñarme tanto!!

Venenosos Salu2 desde Crystal Lake!!

DE REYES Y DINOSAURIOS

Si pudiese rodar un documental sobre Clark Gable, la mejor voz para narrarlo sería la de Félix Rodríguez de la Fuente y se escucharía algo así: “Vencido, el macho montés recuerda su vida en la Serranía de Gredos…”

"No soy un actor. Lo que la gente que va al cine quiere ver,  no es un actor. es a mí".

Evidentemente ni Gable era un macho montés ni pasó su vida en la mencionada Serranía. No pasaron por delante de sus ojos las imágenes de su madre empitonado al águila real cuando él era un chivo, ni vio como los lobos hacían correr a los “antiguos paladines”, los muflones, por el bosque.

Junto a Norma Shearer en "A Free Soul" (MGM, 1931).

Lo que posiblemente reflejarían sus ojos los últimos años de su vida sería: el esplendor pasado, del estudio que marcó su vida, la otrora poderosa MGM y las divas que le acompañaron a lo largo de las seis décadas que duró su carrera. Era el último de su estirpe, una especie en extinción.

Con Greta Garbo en "Susan Lenox, Her Fall and Rise"
y con Joan Crawford en "Possessed" (MGM, 1931).

De cómo un chico nacido en un pueblo del Medio Oeste se convirtió en un Rey, aunque fuese  de Hollywood, es una historia tan larga como el principio de los tiempos, difícil de condensar en unas pocas líneas.

A base de tesón, esfuerzo, disciplina, buenos contactos y matrimonios, el pueblerino, venciendo las reticencias iniciales que su aspecto físico causaba en los magnates del cine, conquistó primero a las mujeres, luego a la industria y finalmente a toda Norteamérica.

Con Marion Davis en "Polly of the Circus"
y con Jean Harlow en "Red Dust" (MGM, 1932).

Gustaba tanto a las damas como a los caballeros. Ellas querían caer rendidas en sus brazos y ellos se veían reflejados en un hombre no excesivamente apuesto, de carácter sencillo por no decir rudo y muy macho, más si cabe cuando estaba acompañado por hembras muy hembras, como por ejemplo,  Joan Crawford.

Antes de conquistar a todo el mundo y convertirse en el Rey, Gable tuvo una infancia difícil y diversas ocupaciones, hasta que surgió la ocasión de intervenir en pequeños papeles teatrales y cinematográficos. En este punto, conoció a la que sería su mánager y primera mujer, que impulsó su carrera.

En compañía de Carole Lombard en "No Man of Her Own" (Paramount, 1932).
La única película en la que trabajaron juntos.

Alejado de los cánones que imperaban entre sus contemporáneos como Gary Cooper o Robert Montgomery, más sofisticados; Leslie Howard, demasiado romántico; Tyrone Power, demasiado guapo; Clark Gable llegó y venció con sus cualidades genuinamente americanas.

No fue hasta la década de los años 30 cuando firmó un contrato con la MGM, estudio líder en el estrellato femenino. Si bien en el estudio del León no tenían puestas muchas esperanzas en las cualidades estelares de Gable. Además como he dicho, su aspecto físico dejaba mucho que desear: estrecho de pecho; grandes orejas; horrible dentadura. Algo que le preocupaba más a él que a la propia productora, especializada en crear mitos. La MGM, ya lo había conseguido con una regordeta sueca, conocida como La Divina.

Con Jean Harlow en "Hold Your Man"
y con Joan Crawford en "Dancing Lady" (MGM, 1933).

La creciente crisis financiera y sobre todo la caída de las grandes figuras del cine mudo, en especial de los actores, ayudaron a Gable. La Metro necesitaba urgentemente un galán que emparejar con las reinas del estudio, que fuera obediente y que no fuese exigente con el sueldo. Todo esto permitió que Gable permaneciera en el estudio hasta los años 50.

Después de diversos “experimentos” con las estrellas de la casa, una renuncia de la Garbo, le reúne con Jean Harlow en “Tierra de Pasión” (Red Dust, 1932). El éxito de la misma para su carrera fue colosal y le permitió unirse de nuevo con la Harlow en otras cuatro ocasiones.

Junto a Claudette Colbert en "It Happened One Night" (Columbia, 1934).

Jean Harlow junto con Carole Lombard, que sería su tercera esposa, son probablemente las mujeres más importantes de su vida.

Una vez consolidado el éxito,  subió escalones a pasos agigantados, además  de su autoestima y sus exigencias. Debido a un desacuerdo con Mayer, el gran jefe de la casa, como castigo, fue cedido a un estudio menor, la Columbia, donde interpretó junto a Claudette Colbert: “Sucedió una Noche” (Happened One Night, 1934) de Frank Capra, por la que consiguió el Oscar, el cual “restregó” ante las narices de un rabioso Mayer, ya que a este le salió mal la jugada de bajarle los humos.

Junto a Joan Crawford en "Chained" (MGM, 1934).

Su categoría ya era indiscutible y gracias a otro posterior préstamo a Selznick International Pictures, consiguió cotas inalcanzables coronándole de por vida como el Rey, título ya conseguido en 1938 gracias a la votación popular, reino compartido junto a Myrna Loy.

El préstamo al que me refiero era, como no: “Lo Que el Viento se Llevó” (Gone With the Wind, 1939).

Con Constance Bennett en "After Office Hours"
y con Jean Harlow en "China Seas" (MGM, 1935).

La mencionada película junto con la II Guerra Mundial, sellaron el fin de una era. Gable quería participar en el conflicto pero para el Gobierno de los EEUU era más importante su labor desde la pantalla.

La MGM, siguió favoreciendo su carrera, emparejándole con las nuevas reinas del estudio, más del gusto del público de la época, como Lana Turner. El fallecimiento de Jean Harlow en 1937 y posteriormente el de Carole Lombard en 1942 durante su gira vendiendo bonos de Guerra, marcaron el ánimo de Gable. Este último acontecimiento precipitó su ingreso en el conflicto y a su regreso, las cosas ya no eran las de antes.

Junto a Myrna Loy y Jean Harlow en "Wife vs Secretary" (MGM, 1936).

Su regreso le revistió con un aura de héroe nacional y le permitió mantener su estatus de Rey a perpetuidad, aunque se las tuvo que ver con actores que habían prosperado en estos tiempos difíciles y más actuales como Burt Lancaster, James Stewart, Henry Fonda, Robert Mitchum…

Su mirada evidenciaba el recuerdo de las grandes divas que le habían acompañado durante su carrera: Garbo, Shearer, Crawford, Loy, Harlow. El brillo de los estudios se había desvanecido dando paso a una nueva era en la que él no encontraba su lugar, cual diplodocus del final del Jurásico.

Con Jeanette MacDonald en "San Francisco" (MGM, 1936)
y con Jean Harlow en "Saratoga" (MGM, 1937), última película de la rubia platino.

Pese a no perderlo, recuperó prestigio en 1953 en una de sus últimas películas para la MGM, “Mogambo”. Pero quedó patente después de todo, que el estudio no tenía interés en renovarle el contrato debido a sus altos honorarios, e inició una carrera como actor independiente.

Por entonces no solo vivía del recuerdo si no que también muchos de sus contemporáneos habían desaparecido.

Junto a Myrna Loy en "Test Pilot" (MGM, 1938).

Había trabajado con los mejores directores de la edad dorada de Hollywood: Clarence Brown, Victor Fleming, Sam Wood, Fran Capra, W.S. Van Dyke, Tay Garnett, Frank Borzage, King Vidor, Mervin Leroy, Joh Ford, Raoul Walsh, entre otros, y compartió planos con estrellas de la talla de: Joan Crawford, Norma Shearer, Greta Garbo, Claudette Colbert, Hedy Lamarr, Constance Bennett, Jean Harlow, Rosalind Russell, Myrna Loy, Barbara Stanwyck, Lana Turner, Vivien Leigh, o Gene Tierney.

En compañía de Norma Shearer en "Idiot´s Delight" (MGM, 1939).

Después de cuatro matrimonios, diversas amantes y una vida regada con alcohol, que nunca alcanzó unos límites alarmantes como los de sus amigos Spencer Tracy o Erroll Flynn, llega una etapa de calma y estabilidad junto a su quinta esposa y un futuro hijo.

Creo que su experiencia personal, su dedicación al cine y la estabilidad emocional, le hizo tomarse las cosas con total despreocupación, recuperando el gusto que nunca había perdido por la vida al aire libre, la pesca y los amigos. Imagino que era consciente en las últimas etapas de este largo camino, que había hecho un buen trabajo.

Junto a Vivien Leigh en "Gone With the Wind" (Selznick Pictures, 1939).

Comenzados los años 60, donde no podemos encontrarnos historias exóticas como las que el interpretó, llega a sus manos un nuevo guión escrito pensando en él por Arthur Miller y que es rechazado en un primer momento.

“Vidas Rebeldes” (The Misfits, 1961) dirigida por John Huston en condiciones extremas, muy alejadas de lo acostumbrado por él, cuando los estudios cuidaban de sus estrellas y mitigaban las dificultades. Será la última película de Clark Gable y con ella demostrará a todo el mundo, de que están hechos los mitos.

Con Hedy Lamarr en "Boom Town" y "Comrade X" (MGM, 1940).

Co-protagonizada por dos estrellas muy alejadas de su registro y como él (por diferentes motivos) en el ocaso de sus carreras: Montgomery Clift y Marilyn Monroe. Para un Gable disciplinado y riguroso con las horas debió ser una tortura trabajar con ellos, debido a los disturbios y problemas de ambos que replanteaban el curso del rodaje.

Con Rosalind Russell en "They Met in Bombay"
y con Lana Turner en "Honky Tonk" (MGM, 1941).

Aunque se dice que Gable lo llevó todo con bastante calma, admiraba el trabajo de Clift y sentía aprecio por Monroe, escuchando las palabras de Billy Wilder sobre su compañera, nos da una idea de cómo tuvo que ser el rodaje: “la industria debería otorgarme una medalla después de haber trabajado dos veces con ella”.

Con Deborah Kerr en "The Hucksters" (MGM, 1947)
y con Mary Astor en "Any Number Can Play" (MGM, 1949).

A sus 59 años, su forma de interpretar chocó desde un principio con las formas de estos alumnos aventajados del “Actor´s Studio”. Consciente de que definitivamente todo “había terminado”, se esforzó en adecuarse a los nuevos tiempos algo que le traería graves consecuencias.

Cuenta Huston en sus memorias que intentó hacerle mejorar su interpretación, pero que finalmente le pedía que volviese a hacerlo a su manera. Pese a ser una gran película, el final de una gran carrera tendría que haber sido más placentero para una estrella de su magnitud.

Con Ava Gardner en "Mogambo" (MGM, 1953)
y con Jane Russell en "The Tall Men" (20th Century Fox, 1955).

“Creo que es lo mejor que he hecho nunca. Ahora sólo quiero ver nacer a mi hijo” le comentó a John Huston. Esto sucedía un 4 de noviembre de 1960 y tendría que haberse convertido en padre en febrero. Sufrió un ataque al corazón al día siguiente y murió dos semanas después. Al igual que Carole Lombard con su última película, no llegó a ver su estreno. Su viuda, Kay Williams, depositó su féretro junto a la tumba de ella.

Con Yvonne De Carlo en "Band of Angels" (Warner Bros., 1957)
y con Marilyn Monroe en "The Misfits" (United Artists, 1961).

La historia de Gable es la historia de Hollywood mismo. Desde donde se encuentre, seguramente con su inevitable sonrisa sardónica nos diría:

“Después de todo, mañana será otro día”.

Venenosos Salu2 desde Crystal Lake.

Las fotografías son todas de internet y retocadas por mí.

NOSTALGIA POR EL GLAMOUR

No sé qué sucedía el pasado sábado, pero como a mí lo que haga la gran mayoría de la gente no me interesa, tampoco me importó mucho. Poca tele, nada de prensa, pero al final “gracias” a las redes sociales, me entero de todo lo que me da exactamente igual.

No vivo tan ajeno a lo que sucede a mí alrededor como creía…

La gente se contenta con cosas extrañas para mí… En fin… Así nos va… Cada uno tiene sus gustos o vicios, no lo pongo en duda, incluso los respeto mientras no invadan mi espacio de confort.

¡¡Yo me decanto por gustos minoritarios y nostálgicos!!

Nostalgia y Glamour según Dietrich.

Ese día en concreto, con la visa calentita y el beneplácito de Escolopendra Venenossa, me acerqué como es habitual, con mi amiga Carmen Munsters, a La Isla de los Espíritus Olvidados.

No había una motivación especial para gastar. Más bien es mantener la costumbre de nuestra visita mensual y abastecernos de nuestra dosis de fetiches.

Maria nos recibe desde su trono estelar.

Otros se van de cañas y tapeo. Nosotros preferimos mil veces ir a ese pequeño Oasis y pasarnos las horas volviendo a ver las mismas fotografías y manteniendo con el propietario, BLL (así llamaré a nuestro interlocutor), una agradable charla siempre enriquecedora, sobre todo para el espíritu.

La Wong desconfiando de Escolopendra.

Aunque no lo parezca, además de acordarme de las estrellas, también tengo en mente a las personas que me importan, no solo de iconos vive uno. Me acordé de Escolopendra Venenossa (siempre presente) y su nueva afición al coleccionismo vertiente raruna, motivada en gran parte por lo pesaditos que nos ponemos Carmen y un servidor. No voy a desvelar en qué consiste su colección, lo dejo para cuando la amplíe suficientemente y quiera darla a conocer al Mundo.

¡¡No olvido que te debo un álbum!!

Doris se reconcilia con las madres.

También me acordé de mi madre, en especial porque insistió en que le dedicase una entrada en Sopa de Mitos a Carolyn Jones. Estando tan reciente la misma, pensé que sería buena idea completar el homenaje consiguiendo alguna fotografía suya para añadir a mí colección. Una vez traspasamos el vórtice temporal del presente al pasado y después de los saludos de rigor, pregunté por la Jones. No encontré material fotográfico alguno, debe de tener escaso tirón entre los coleccionistas…

¿Se abre un nuevo reto para mí?

BLL nos comenta que hace nada había visto una película suya, en concreto: “Imperio de Titanes” (1960) y le digo que mi madre me habló de: “El Último Tren a Gun Hill” (1959). Así al final, Carolyn consigue que la rememoremos, sobre todo por: “Los Crímenes del Museo de Cera” (1953).

Compartiendo recuerdos, BLL nos dice como le impresionó la película cuando la pudo ver el día del estreno. Principalmente por la secuencia de la persecución por callejones oscuros y siniestros. Una época en la que tenías que colarte en el cine cuando eras menor de edad.

¡¡Ya no se hacen películas como las de antes nos decimos!!

¿Hedy Lamarr pensando en mí?

Una cosa nos lleva a la otra y sin quitarnos la palabra de la boca (somos tres personas muy educadas), hablamos de: Maria Montez; Carmen Sevilla; Brigitte Bardot; Jerry Lewis; del cine de Fernán Gómez y el español antiguo del bueno (que existe); del Europeo; de “Cinema Paradiso” (1988); del clásico en blanco y negro; de los cines que han desaparecido; también de cómo está el panorama del cine actual en general y la cultura cinematográfica que tiene la gente; del doblaje y del mal doblaje…

Me irrito al compartir con ellos el disgusto que me llevé al escuchar a Marlene Dietrich con acento latino en: “Capricho de Mujer” (1942) o cuando a las fatales les ponen voces viejunas. BLL nos dice que a él le pasó lo mismo cuando escuchó a Gregory Peck con la voz de un “imberbe” en vez de la habitual. Cosa que le obligó a tirar el dvd a la basura.

Dorothy Lamour: ¿En qué piensan las diosas?

Descubrimos que le asombra que tenga éxito una película como: “8 Apellidos Vascos” (2014), al igual que: “Torrente” (1998); de lo mala que era la última de Almodovar, en lo que Carmen estaba de acuerdo y eso que es: ¡¡súper fan!! Que echa de menos una buena tertulia sobre cine y que momentos como este que pasa con nosotros, le son de agradecer.

Le confirmo que a mí en particular no me gusta nada el cine actual. Él me responde con una gran frase:

¡¡A ti lo que te va es el Glamour!!

Terminada la conversación, se vienen conmigo a Crystal Lake: Dietrich, Lamarr, May Wong, Lamour, Day y con Carmen a un lugar desconocido para mi, pues desconozco donde habita: a sus starlettes de serie B y algunas estrellas como Jane Mansfield, Esther Williams o Rod Hudson.

¡¡Al final ya verás terminarás coleccionado a La Mansfield!!

¿Qué es el Glamour? Me gustaría saber su significado.
(Marlene Dietrich)

Con la amabilidad que le caracteriza, BLL nos acompaña hasta la puerta de esta Isla de los Espíritus Olvidados comentado:

“Cuando no estemos, esto dejará de existir…”

Venenosos Salu2, desde Crystal Lake.

Las fotografías son todas de mi colección.

CAROLYN JONES

¿Quién fue Carolyn Jones? ¿Una actriz desaprovechada o una eterna actriz de reparto?

Si nos ceñimos al conjunto de su filmografía e ignoramos sus capacidades interpretativas, puedo decir sin equivocarme que su trayectoria está más ligada a personajes secundarios que a protagonistas.

Entre los papeles secundarios que interpretó, se encuentran algunos que son esenciales para el desarrollo de la película. Es el caso de “Los Crímenes del Museo de Cera” (House of Wax, 1953), donde interpretaba a Cathy Gray, la amiga de la protagonista, que termina convertida en una Juana de Arco de cera, gracias a las habilidades “artísticas” del Profesor Henry Jarrod (Vincent Price).

Phyllis Kirk descubre a Carolyn bajo el disfraz de Juana de Arco

Sus inicios en los años 50 eran favorables. Pero… ¿Jugó la mala suerte una baza importante en el desarrollo de su carrera? Algo de verdad hay, ya que fue elegida en 1953 para el papel de Alma “Lorene” Burke, en “De aquí a la Eternidad” (From Here to Eternity) dirigida por Fred Zinnemann, interpretado finalmente por Donna Reed. Escrito para ella, un ataque de neumonía le obligó a renunciar. La Reed consiguió con este trabajo un Oscar a la mejor actriz secundaria.

Pese a todo, a finales de la década, consiguió la satisfacción de verse recompensada con una nominación al Oscar como mejor actriz de reparto (por su participación de 6 minutos) en “La noche de los Maridos” (The Bachelor Party, 1957) y recibiendo en 1959 un Globo de Oro como una de las actrices más prometedoras, compartido con Sandra Dee y Diane Varsi.

Carolyn Jones en 1958

Carolyn Jones nació en Amarillo, Texas en 1930. Cuando contaba 4 años, su padre (peluquero) abandona a la familia y su madre (ama de casa) junto con ella y su hermana se traslada a la casa de la familia materna. Jones sufría de severo asma, lo que limitaba sus actividades infantiles. Ávida lectora, le encantaban las revistas de Hollywood y cuando su edad se lo permitió acudía con gran entusiasmo al cine.

A través del espejo y lo que Carolyn encontró allí

A los 15 años, pese a que estaba tres años por debajo de la edad mínima requerida, se matriculó en el Pasadena Playhouse, escuela de artes escénicas de California, creada a finales de los años 20 y convertida en universidad acreditada en 1937. Su padre, cosa curiosa, accedió a pagar su matrícula.

Después de ser descubierta por un cazatalentos en el teatro, firmó un contrato con la Paramount y apareció en su primera película, “Un Hombre Acusa” (The Turning Point, 1952), protagonizada por William Holden y Alexis Smith.

The Turning Point (1952)

Tuvo pequeños papeles (diría que minúsculos) y solo localizables por ojos entrenados en: “Camino a Bali” (Road to Bali, 1952); “Los Sobornados” (The Big Heat, 1953); “La Guerra de los Mundos” (The War of the Worlds, 1953); “Desirée” (1954); “La Tentación Vive Arriba” (The Seven Year Itch, 1955)...

Carolyn Jones con Joan Collins en un descanso del rodaje de "The Opposite Sex" (1956)

Carolyn trabajó en películas dirigidas por directores de reconocido prestigio y protagonizadas por las mayores estrellas del momento.

Todos estos papeles junto con sus apariciones en diferentes series de televisión (medio en el que debutó en 1952), incluido un episodio de “Alfred Hitchcock Present”, le dieron fama y reconocimiento.

Invasion of the Body Snatchers (1956)

En 1956, apareció en la película de Alfred Hitchcock “El Hombre que Sabía Demasiado” (The Man Who Knew Too Much) protagonizada por James Stewart y Doris Day. Ese mismo año interpretaría  el personaje de “Teddy” Belicec en “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” (Invasion of the Body Snatchers), una película de culto entre los aficionados (y no tanto) de la ciencia ficción.

Dragnet (1954)

Alternado el cine con sus apariciones en diferentes series de televisión como “Dragnet” (1954), finaliza la década de los 50 interpretando el papel principal femenino del western protagonizado por Kirk Douglas y Anthony Quinn, “El Último Tren de Gun Hill” (Last Train from Gun Hill, 1959) dirigida por John Sturges.

Last Train from Gun Hill (1959)

En los años 60 intervino en un total de seis films, destacando un western épico: “La Conquista del Oeste” (How the West Was Won, 1962); como la esposa del sheriff (George Peppard), un papel muy codiciado en una película repleta de estrellas, pero fue la televisión la que deparó a Jones sus mayores alegrías.

Carolyn Jones junto a Adam "Batman" West

Fue una de las numerosas estrellas invitadas en la serie “Batman” (1966-1968), donde era Marsha, la Reina de Diamantes y en los 70 era la madre de la protagonista, Hipólita, en “La Mujer Maravilla” (Wonder Woman). Si estos papeles eran destacados, su mayor éxito en televisión llegó en 1964 interpretando a Morticia Addams en “The Addams Family”, personaje por el que es  recordada por todo el mundo.

Carolyn como Morticia Addams (The Addams Family, 1964-66)

La serie de 64 episodios de 25 minutos de duración, permaneció en antena tres temporadas y fue un triunfo  desde su estreno hasta la actualidad gracias a las numerosas reposiciones. A Carolyn Jones le deparó el éxito como comediante y una nominación a un Globo de Oro.

Posteriormente a la cancelación de esta serie en 1966, su carrera empezó a declinar, aunque tuvo algunas apariciones destacadas en otras series como “Raíces” (Roots) y la mencionada “Wonder Woman”.

Marrjorie Morningstar (1958)

En 1971 escribió una novela titulada “Twice Upon a Time”, que seguía la vida de una estrella de cine a través de su carrera y sus romances. El libro tenía muchas similitudes con sus propias experiencias.

En cuanto a su vida personal, Carolyn se casó en cuatro ocasiones. La primera de ellas con un compañero de estudios del Pasadena Playhouse; posteriormente estuvo casada con el productor  Aaron Spelling desde 1953 hasta 1964, convirtiéndose al judaísmo; su tercer marido hasta 1977 fue Herbert Greene, director musical, arreglista vocal y coproductor de Broadway.

En 1981 consiguió el papel de la poderosa matriarca Myrna Clegg en la telenovela de la CBS, “Capitol”. Poco después del estreno de la misma, en marzo de ese mismo año, se le diagnostica cáncer de colon. Siguió trabajando e interpretó muchas de sus escenas en silla de ruedas. A sus amigos les decía que estaba recibiendo tratamiento por un problema de úlceras.

La enfermedad se extendió rápidamente, pero a pesar del dolor terminó la primera temporada. Después de un periodo de “mejoría”, la enfermedad regresó y en septiembre de 1982, dándose cuenta de que se estaba muriendo, se casó con su novio desde hacía cinco años el actor Peter Bailey-Britton.

¿Casualidad? Carolyn llamándome desde el más allá

En julio de 1983 entró en coma en su casa de West Hollywood, California. Murió el 3 de agosto a los 53 años, con su marido al lado. Sus cenizas fueron sepultadas en la Abadia del Melrose Memorial Park Cementery en Anaheim, California, junto a su madre.

Venenosos salu2 desde Crystal Lake.

 Las fotografías son todas de Internet.