DE REYES Y DINOSAURIOS

Si pudiese rodar un documental sobre Clark Gable, la mejor voz para narrarlo sería la de Félix Rodríguez de la Fuente y se escucharía algo así: “Vencido, el macho montés recuerda su vida en la Serranía de Gredos…”

"No soy un actor. Lo que la gente que va al cine quiere ver,  no es un actor. es a mí".

Evidentemente ni Gable era un macho montés ni pasó su vida en la mencionada Serranía. No pasaron por delante de sus ojos las imágenes de su madre empitonado al águila real cuando él era un chivo, ni vio como los lobos hacían correr a los “antiguos paladines”, los muflones, por el bosque.

Junto a Norma Shearer en "A Free Soul" (MGM, 1931).

Lo que posiblemente reflejarían sus ojos los últimos años de su vida sería: el esplendor pasado, del estudio que marcó su vida, la otrora poderosa MGM y las divas que le acompañaron a lo largo de las seis décadas que duró su carrera. Era el último de su estirpe, una especie en extinción.

Con Greta Garbo en "Susan Lenox, Her Fall and Rise"
y con Joan Crawford en "Possessed" (MGM, 1931).

De cómo un chico nacido en un pueblo del Medio Oeste se convirtió en un Rey, aunque fuese  de Hollywood, es una historia tan larga como el principio de los tiempos, difícil de condensar en unas pocas líneas.

A base de tesón, esfuerzo, disciplina, buenos contactos y matrimonios, el pueblerino, venciendo las reticencias iniciales que su aspecto físico causaba en los magnates del cine, conquistó primero a las mujeres, luego a la industria y finalmente a toda Norteamérica.

Con Marion Davis en "Polly of the Circus"
y con Jean Harlow en "Red Dust" (MGM, 1932).

Gustaba tanto a las damas como a los caballeros. Ellas querían caer rendidas en sus brazos y ellos se veían reflejados en un hombre no excesivamente apuesto, de carácter sencillo por no decir rudo y muy macho, más si cabe cuando estaba acompañado por hembras muy hembras, como por ejemplo,  Joan Crawford.

Antes de conquistar a todo el mundo y convertirse en el Rey, Gable tuvo una infancia difícil y diversas ocupaciones, hasta que surgió la ocasión de intervenir en pequeños papeles teatrales y cinematográficos. En este punto, conoció a la que sería su mánager y primera mujer, que impulsó su carrera.

En compañía de Carole Lombard en "No Man of Her Own" (Paramount, 1932).
La única película en la que trabajaron juntos.

Alejado de los cánones que imperaban entre sus contemporáneos como Gary Cooper o Robert Montgomery, más sofisticados; Leslie Howard, demasiado romántico; Tyrone Power, demasiado guapo; Clark Gable llegó y venció con sus cualidades genuinamente americanas.

No fue hasta la década de los años 30 cuando firmó un contrato con la MGM, estudio líder en el estrellato femenino. Si bien en el estudio del León no tenían puestas muchas esperanzas en las cualidades estelares de Gable. Además como he dicho, su aspecto físico dejaba mucho que desear: estrecho de pecho; grandes orejas; horrible dentadura. Algo que le preocupaba más a él que a la propia productora, especializada en crear mitos. La MGM, ya lo había conseguido con una regordeta sueca, conocida como La Divina.

Con Jean Harlow en "Hold Your Man"
y con Joan Crawford en "Dancing Lady" (MGM, 1933).

La creciente crisis financiera y sobre todo la caída de las grandes figuras del cine mudo, en especial de los actores, ayudaron a Gable. La Metro necesitaba urgentemente un galán que emparejar con las reinas del estudio, que fuera obediente y que no fuese exigente con el sueldo. Todo esto permitió que Gable permaneciera en el estudio hasta los años 50.

Después de diversos “experimentos” con las estrellas de la casa, una renuncia de la Garbo, le reúne con Jean Harlow en “Tierra de Pasión” (Red Dust, 1932). El éxito de la misma para su carrera fue colosal y le permitió unirse de nuevo con la Harlow en otras cuatro ocasiones.

Junto a Claudette Colbert en "It Happened One Night" (Columbia, 1934).

Jean Harlow junto con Carole Lombard, que sería su tercera esposa, son probablemente las mujeres más importantes de su vida.

Una vez consolidado el éxito,  subió escalones a pasos agigantados, además  de su autoestima y sus exigencias. Debido a un desacuerdo con Mayer, el gran jefe de la casa, como castigo, fue cedido a un estudio menor, la Columbia, donde interpretó junto a Claudette Colbert: “Sucedió una Noche” (Happened One Night, 1934) de Frank Capra, por la que consiguió el Oscar, el cual “restregó” ante las narices de un rabioso Mayer, ya que a este le salió mal la jugada de bajarle los humos.

Junto a Joan Crawford en "Chained" (MGM, 1934).

Su categoría ya era indiscutible y gracias a otro posterior préstamo a Selznick International Pictures, consiguió cotas inalcanzables coronándole de por vida como el Rey, título ya conseguido en 1938 gracias a la votación popular, reino compartido junto a Myrna Loy.

El préstamo al que me refiero era, como no: “Lo Que el Viento se Llevó” (Gone With the Wind, 1939).

Con Constance Bennett en "After Office Hours"
y con Jean Harlow en "China Seas" (MGM, 1935).

La mencionada película junto con la II Guerra Mundial, sellaron el fin de una era. Gable quería participar en el conflicto pero para el Gobierno de los EEUU era más importante su labor desde la pantalla.

La MGM, siguió favoreciendo su carrera, emparejándole con las nuevas reinas del estudio, más del gusto del público de la época, como Lana Turner. El fallecimiento de Jean Harlow en 1937 y posteriormente el de Carole Lombard en 1942 durante su gira vendiendo bonos de Guerra, marcaron el ánimo de Gable. Este último acontecimiento precipitó su ingreso en el conflicto y a su regreso, las cosas ya no eran las de antes.

Junto a Myrna Loy y Jean Harlow en "Wife vs Secretary" (MGM, 1936).

Su regreso le revistió con un aura de héroe nacional y le permitió mantener su estatus de Rey a perpetuidad, aunque se las tuvo que ver con actores que habían prosperado en estos tiempos difíciles y más actuales como Burt Lancaster, James Stewart, Henry Fonda, Robert Mitchum…

Su mirada evidenciaba el recuerdo de las grandes divas que le habían acompañado durante su carrera: Garbo, Shearer, Crawford, Loy, Harlow. El brillo de los estudios se había desvanecido dando paso a una nueva era en la que él no encontraba su lugar, cual diplodocus del final del Jurásico.

Con Jeanette MacDonald en "San Francisco" (MGM, 1936)
y con Jean Harlow en "Saratoga" (MGM, 1937), última película de la rubia platino.

Pese a no perderlo, recuperó prestigio en 1953 en una de sus últimas películas para la MGM, “Mogambo”. Pero quedó patente después de todo, que el estudio no tenía interés en renovarle el contrato debido a sus altos honorarios, e inició una carrera como actor independiente.

Por entonces no solo vivía del recuerdo si no que también muchos de sus contemporáneos habían desaparecido.

Junto a Myrna Loy en "Test Pilot" (MGM, 1938).

Había trabajado con los mejores directores de la edad dorada de Hollywood: Clarence Brown, Victor Fleming, Sam Wood, Fran Capra, W.S. Van Dyke, Tay Garnett, Frank Borzage, King Vidor, Mervin Leroy, Joh Ford, Raoul Walsh, entre otros, y compartió planos con estrellas de la talla de: Joan Crawford, Norma Shearer, Greta Garbo, Claudette Colbert, Hedy Lamarr, Constance Bennett, Jean Harlow, Rosalind Russell, Myrna Loy, Barbara Stanwyck, Lana Turner, Vivien Leigh, o Gene Tierney.

En compañía de Norma Shearer en "Idiot´s Delight" (MGM, 1939).

Después de cuatro matrimonios, diversas amantes y una vida regada con alcohol, que nunca alcanzó unos límites alarmantes como los de sus amigos Spencer Tracy o Erroll Flynn, llega una etapa de calma y estabilidad junto a su quinta esposa y un futuro hijo.

Creo que su experiencia personal, su dedicación al cine y la estabilidad emocional, le hizo tomarse las cosas con total despreocupación, recuperando el gusto que nunca había perdido por la vida al aire libre, la pesca y los amigos. Imagino que era consciente en las últimas etapas de este largo camino, que había hecho un buen trabajo.

Junto a Vivien Leigh en "Gone With the Wind" (Selznick Pictures, 1939).

Comenzados los años 60, donde no podemos encontrarnos historias exóticas como las que el interpretó, llega a sus manos un nuevo guión escrito pensando en él por Arthur Miller y que es rechazado en un primer momento.

“Vidas Rebeldes” (The Misfits, 1961) dirigida por John Huston en condiciones extremas, muy alejadas de lo acostumbrado por él, cuando los estudios cuidaban de sus estrellas y mitigaban las dificultades. Será la última película de Clark Gable y con ella demostrará a todo el mundo, de que están hechos los mitos.

Con Hedy Lamarr en "Boom Town" y "Comrade X" (MGM, 1940).

Co-protagonizada por dos estrellas muy alejadas de su registro y como él (por diferentes motivos) en el ocaso de sus carreras: Montgomery Clift y Marilyn Monroe. Para un Gable disciplinado y riguroso con las horas debió ser una tortura trabajar con ellos, debido a los disturbios y problemas de ambos que replanteaban el curso del rodaje.

Con Rosalind Russell en "They Met in Bombay"
y con Lana Turner en "Honky Tonk" (MGM, 1941).

Aunque se dice que Gable lo llevó todo con bastante calma, admiraba el trabajo de Clift y sentía aprecio por Monroe, escuchando las palabras de Billy Wilder sobre su compañera, nos da una idea de cómo tuvo que ser el rodaje: “la industria debería otorgarme una medalla después de haber trabajado dos veces con ella”.

Con Deborah Kerr en "The Hucksters" (MGM, 1947)
y con Mary Astor en "Any Number Can Play" (MGM, 1949).

A sus 59 años, su forma de interpretar chocó desde un principio con las formas de estos alumnos aventajados del “Actor´s Studio”. Consciente de que definitivamente todo “había terminado”, se esforzó en adecuarse a los nuevos tiempos algo que le traería graves consecuencias.

Cuenta Huston en sus memorias que intentó hacerle mejorar su interpretación, pero que finalmente le pedía que volviese a hacerlo a su manera. Pese a ser una gran película, el final de una gran carrera tendría que haber sido más placentero para una estrella de su magnitud.

Con Ava Gardner en "Mogambo" (MGM, 1953)
y con Jane Russell en "The Tall Men" (20th Century Fox, 1955).

“Creo que es lo mejor que he hecho nunca. Ahora sólo quiero ver nacer a mi hijo” le comentó a John Huston. Esto sucedía un 4 de noviembre de 1960 y tendría que haberse convertido en padre en febrero. Sufrió un ataque al corazón al día siguiente y murió dos semanas después. Al igual que Carole Lombard con su última película, no llegó a ver su estreno. Su viuda, Kay Williams, depositó su féretro junto a la tumba de ella.

Con Yvonne De Carlo en "Band of Angels" (Warner Bros., 1957)
y con Marilyn Monroe en "The Misfits" (United Artists, 1961).

La historia de Gable es la historia de Hollywood mismo. Desde donde se encuentre, seguramente con su inevitable sonrisa sardónica nos diría:

“Después de todo, mañana será otro día”.

Venenosos Salu2 desde Crystal Lake.

Las fotografías son todas de internet y retocadas por mí.

NOSTALGIA POR EL GLAMOUR

No sé qué sucedía el pasado sábado, pero como a mí lo que haga la gran mayoría de la gente no me interesa, tampoco me importó mucho. Poca tele, nada de prensa, pero al final “gracias” a las redes sociales, me entero de todo lo que me da exactamente igual.

No vivo tan ajeno a lo que sucede a mí alrededor como creía…

La gente se contenta con cosas extrañas para mí… En fin… Así nos va… Cada uno tiene sus gustos o vicios, no lo pongo en duda, incluso los respeto mientras no invadan mi espacio de confort.

¡¡Yo me decanto por gustos minoritarios y nostálgicos!!

Nostalgia y Glamour según Dietrich.

Ese día en concreto, con la visa calentita y el beneplácito de Escolopendra Venenossa, me acerqué como es habitual, con mi amiga Carmen Munsters, a La Isla de los Espíritus Olvidados.

No había una motivación especial para gastar. Más bien es mantener la costumbre de nuestra visita mensual y abastecernos de nuestra dosis de fetiches.

Maria nos recibe desde su trono estelar.

Otros se van de cañas y tapeo. Nosotros preferimos mil veces ir a ese pequeño Oasis y pasarnos las horas volviendo a ver las mismas fotografías y manteniendo con el propietario, BLL (así llamaré a nuestro interlocutor), una agradable charla siempre enriquecedora, sobre todo para el espíritu.

La Wong desconfiando de Escolopendra.

Aunque no lo parezca, además de acordarme de las estrellas, también tengo en mente a las personas que me importan, no solo de iconos vive uno. Me acordé de Escolopendra Venenossa (siempre presente) y su nueva afición al coleccionismo vertiente raruna, motivada en gran parte por lo pesaditos que nos ponemos Carmen y un servidor. No voy a desvelar en qué consiste su colección, lo dejo para cuando la amplíe suficientemente y quiera darla a conocer al Mundo.

¡¡No olvido que te debo un álbum!!

Doris se reconcilia con las madres.

También me acordé de mi madre, en especial porque insistió en que le dedicase una entrada en Sopa de Mitos a Carolyn Jones. Estando tan reciente la misma, pensé que sería buena idea completar el homenaje consiguiendo alguna fotografía suya para añadir a mí colección. Una vez traspasamos el vórtice temporal del presente al pasado y después de los saludos de rigor, pregunté por la Jones. No encontré material fotográfico alguno, debe de tener escaso tirón entre los coleccionistas…

¿Se abre un nuevo reto para mí?

BLL nos comenta que hace nada había visto una película suya, en concreto: “Imperio de Titanes” (1960) y le digo que mi madre me habló de: “El Último Tren a Gun Hill” (1959). Así al final, Carolyn consigue que la rememoremos, sobre todo por: “Los Crímenes del Museo de Cera” (1953).

Compartiendo recuerdos, BLL nos dice como le impresionó la película cuando la pudo ver el día del estreno. Principalmente por la secuencia de la persecución por callejones oscuros y siniestros. Una época en la que tenías que colarte en el cine cuando eras menor de edad.

¡¡Ya no se hacen películas como las de antes nos decimos!!

¿Hedy Lamarr pensando en mí?

Una cosa nos lleva a la otra y sin quitarnos la palabra de la boca (somos tres personas muy educadas), hablamos de: Maria Montez; Carmen Sevilla; Brigitte Bardot; Jerry Lewis; del cine de Fernán Gómez y el español antiguo del bueno (que existe); del Europeo; de “Cinema Paradiso” (1988); del clásico en blanco y negro; de los cines que han desaparecido; también de cómo está el panorama del cine actual en general y la cultura cinematográfica que tiene la gente; del doblaje y del mal doblaje…

Me irrito al compartir con ellos el disgusto que me llevé al escuchar a Marlene Dietrich con acento latino en: “Capricho de Mujer” (1942) o cuando a las fatales les ponen voces viejunas. BLL nos dice que a él le pasó lo mismo cuando escuchó a Gregory Peck con la voz de un “imberbe” en vez de la habitual. Cosa que le obligó a tirar el dvd a la basura.

Dorothy Lamour: ¿En qué piensan las diosas?

Descubrimos que le asombra que tenga éxito una película como: “8 Apellidos Vascos” (2014), al igual que: “Torrente” (1998); de lo mala que era la última de Almodovar, en lo que Carmen estaba de acuerdo y eso que es: ¡¡súper fan!! Que echa de menos una buena tertulia sobre cine y que momentos como este que pasa con nosotros, le son de agradecer.

Le confirmo que a mí en particular no me gusta nada el cine actual. Él me responde con una gran frase:

¡¡A ti lo que te va es el Glamour!!

Terminada la conversación, se vienen conmigo a Crystal Lake: Dietrich, Lamarr, May Wong, Lamour, Day y con Carmen a un lugar desconocido para mi, pues desconozco donde habita: a sus starlettes de serie B y algunas estrellas como Jane Mansfield, Esther Williams o Rod Hudson.

¡¡Al final ya verás terminarás coleccionado a La Mansfield!!

¿Qué es el Glamour? Me gustaría saber su significado.
(Marlene Dietrich)

Con la amabilidad que le caracteriza, BLL nos acompaña hasta la puerta de esta Isla de los Espíritus Olvidados comentado:

“Cuando no estemos, esto dejará de existir…”

Venenosos Salu2, desde Crystal Lake.

Las fotografías son todas de mi colección.

CAROLYN JONES

¿Quién fue Carolyn Jones? ¿Una actriz desaprovechada o una eterna actriz de reparto?

Si nos ceñimos al conjunto de su filmografía e ignoramos sus capacidades interpretativas, puedo decir sin equivocarme que su trayectoria está más ligada a personajes secundarios que a protagonistas.

Entre los papeles secundarios que interpretó, se encuentran algunos que son esenciales para el desarrollo de la película. Es el caso de “Los Crímenes del Museo de Cera” (House of Wax, 1953), donde interpretaba a Cathy Gray, la amiga de la protagonista, que termina convertida en una Juana de Arco de cera, gracias a las habilidades “artísticas” del Profesor Henry Jarrod (Vincent Price).

Phyllis Kirk descubre a Carolyn bajo el disfraz de Juana de Arco

Sus inicios en los años 50 eran favorables. Pero… ¿Jugó la mala suerte una baza importante en el desarrollo de su carrera? Algo de verdad hay, ya que fue elegida en 1953 para el papel de Alma “Lorene” Burke, en “De aquí a la Eternidad” (From Here to Eternity) dirigida por Fred Zinnemann, interpretado finalmente por Donna Reed. Escrito para ella, un ataque de neumonía le obligó a renunciar. La Reed consiguió con este trabajo un Oscar a la mejor actriz secundaria.

Pese a todo, a finales de la década, consiguió la satisfacción de verse recompensada con una nominación al Oscar como mejor actriz de reparto (por su participación de 6 minutos) en “La noche de los Maridos” (The Bachelor Party, 1957) y recibiendo en 1959 un Globo de Oro como una de las actrices más prometedoras, compartido con Sandra Dee y Diane Varsi.

Carolyn Jones en 1958

Carolyn Jones nació en Amarillo, Texas en 1930. Cuando contaba 4 años, su padre (peluquero) abandona a la familia y su madre (ama de casa) junto con ella y su hermana se traslada a la casa de la familia materna. Jones sufría de severo asma, lo que limitaba sus actividades infantiles. Ávida lectora, le encantaban las revistas de Hollywood y cuando su edad se lo permitió acudía con gran entusiasmo al cine.

A través del espejo y lo que Carolyn encontró allí

A los 15 años, pese a que estaba tres años por debajo de la edad mínima requerida, se matriculó en el Pasadena Playhouse, escuela de artes escénicas de California, creada a finales de los años 20 y convertida en universidad acreditada en 1937. Su padre, cosa curiosa, accedió a pagar su matrícula.

Después de ser descubierta por un cazatalentos en el teatro, firmó un contrato con la Paramount y apareció en su primera película, “Un Hombre Acusa” (The Turning Point, 1952), protagonizada por William Holden y Alexis Smith.

The Turning Point (1952)

Tuvo pequeños papeles (diría que minúsculos) y solo localizables por ojos entrenados en: “Camino a Bali” (Road to Bali, 1952); “Los Sobornados” (The Big Heat, 1953); “La Guerra de los Mundos” (The War of the Worlds, 1953); “Desirée” (1954); “La Tentación Vive Arriba” (The Seven Year Itch, 1955)...

Carolyn Jones con Joan Collins en un descanso del rodaje de "The Opposite Sex" (1956)

Carolyn trabajó en películas dirigidas por directores de reconocido prestigio y protagonizadas por las mayores estrellas del momento.

Todos estos papeles junto con sus apariciones en diferentes series de televisión (medio en el que debutó en 1952), incluido un episodio de “Alfred Hitchcock Present”, le dieron fama y reconocimiento.

Invasion of the Body Snatchers (1956)

En 1956, apareció en la película de Alfred Hitchcock “El Hombre que Sabía Demasiado” (The Man Who Knew Too Much) protagonizada por James Stewart y Doris Day. Ese mismo año interpretaría  el personaje de “Teddy” Belicec en “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” (Invasion of the Body Snatchers), una película de culto entre los aficionados (y no tanto) de la ciencia ficción.

Dragnet (1954)

Alternado el cine con sus apariciones en diferentes series de televisión como “Dragnet” (1954), finaliza la década de los 50 interpretando el papel principal femenino del western protagonizado por Kirk Douglas y Anthony Quinn, “El Último Tren de Gun Hill” (Last Train from Gun Hill, 1959) dirigida por John Sturges.

Last Train from Gun Hill (1959)

En los años 60 intervino en un total de seis films, destacando un western épico: “La Conquista del Oeste” (How the West Was Won, 1962); como la esposa del sheriff (George Peppard), un papel muy codiciado en una película repleta de estrellas, pero fue la televisión la que deparó a Jones sus mayores alegrías.

Carolyn Jones junto a Adam "Batman" West

Fue una de las numerosas estrellas invitadas en la serie “Batman” (1966-1968), donde era Marsha, la Reina de Diamantes y en los 70 era la madre de la protagonista, Hipólita, en “La Mujer Maravilla” (Wonder Woman). Si estos papeles eran destacados, su mayor éxito en televisión llegó en 1964 interpretando a Morticia Addams en “The Addams Family”, personaje por el que es  recordada por todo el mundo.

Carolyn como Morticia Addams (The Addams Family, 1964-66)

La serie de 64 episodios de 25 minutos de duración, permaneció en antena tres temporadas y fue un triunfo  desde su estreno hasta la actualidad gracias a las numerosas reposiciones. A Carolyn Jones le deparó el éxito como comediante y una nominación a un Globo de Oro.

Posteriormente a la cancelación de esta serie en 1966, su carrera empezó a declinar, aunque tuvo algunas apariciones destacadas en otras series como “Raíces” (Roots) y la mencionada “Wonder Woman”.

Marrjorie Morningstar (1958)

En 1971 escribió una novela titulada “Twice Upon a Time”, que seguía la vida de una estrella de cine a través de su carrera y sus romances. El libro tenía muchas similitudes con sus propias experiencias.

En cuanto a su vida personal, Carolyn se casó en cuatro ocasiones. La primera de ellas con un compañero de estudios del Pasadena Playhouse; posteriormente estuvo casada con el productor  Aaron Spelling desde 1953 hasta 1964, convirtiéndose al judaísmo; su tercer marido hasta 1977 fue Herbert Greene, director musical, arreglista vocal y coproductor de Broadway.

En 1981 consiguió el papel de la poderosa matriarca Myrna Clegg en la telenovela de la CBS, “Capitol”. Poco después del estreno de la misma, en marzo de ese mismo año, se le diagnostica cáncer de colon. Siguió trabajando e interpretó muchas de sus escenas en silla de ruedas. A sus amigos les decía que estaba recibiendo tratamiento por un problema de úlceras.

La enfermedad se extendió rápidamente, pero a pesar del dolor terminó la primera temporada. Después de un periodo de “mejoría”, la enfermedad regresó y en septiembre de 1982, dándose cuenta de que se estaba muriendo, se casó con su novio desde hacía cinco años el actor Peter Bailey-Britton.

¿Casualidad? Carolyn llamándome desde el más allá

En julio de 1983 entró en coma en su casa de West Hollywood, California. Murió el 3 de agosto a los 53 años, con su marido al lado. Sus cenizas fueron sepultadas en la Abadia del Melrose Memorial Park Cementery en Anaheim, California, junto a su madre.

Venenosos salu2 desde Crystal Lake.

 Las fotografías son todas de Internet.

PARÍS: CIUDAD DE REINAS Y DE MARÍAS

Ya hablé en mi anterior entrada por mi gusto por el colorín y la comedia romántica, parcela que como habréis visto cubro suficientemente bien con Doris Day. Pero hay otra faceta que también forma parte de mi cultura general, que es el Kitsch o ya hilando fino el Camp.

Para lo no entendidos, resumiré que el Camp, es una estética popular sin gusto por el estilo y basada en la exageración. Dicho esto, no quiere decir que tenga afición por el mal gusto o lo bajuno, como diría mi amiga Carmen Munsters. Solo lo acepto con agrado en el cine de serie B.

María, reina de los dorados.

Una de las máximas representantes de este género es María Montez. Estrella de muy, pero que muy limitado registro, reina del cine escapista de los años 40. Conocida popularmente como: La Reina del Technicolor.

Aunque ya conocía a María Montez por sus películas de temática oriental, siempre desde la visión de Hollywood, como en: “Las mil y una noches” (1942) o “Ali Babá y los cuarenta ladrones” (1944), es una de mis más recientes “adquisiciones”, debido sobre todo a que en parte, me guio por las señales del destino y que en el fondo soy muy sentimental.

María Montez junto a Turhan Bey y Jon Hall en "Sudan" (1945)

Hay muchas cosas que tengo en común con  María Escolopendra, pero entre las pocas que no, se encuentra el que a ella le gusta viajar y a mí me da igual. En estos casos, ella normalmente me deja elegir destino y una vez nos ponemos de acuerdo, se encarga de organizarlo todo.

En el 2010 le sugerí que teníamos que viajar a París, destino este no muy de su agrado, aunque después la sorprendió gratamente. Luego me empeñé en que teníamos que alojarnos en un loft que ella había localizado en internet (craso error por su parte), solo porque dentro del mismo había habilitado un Citroën 2cv como cama. Como también soy mitómano de este automóvil nos alojamos allí, aunque nos costó estar un poco alejados del centro de París y en un barrio no muy recomendable.

La cama de mis sueños.

Una vez en suelo francés le comenté que tenía un par de prioridades y lo demás me era indiferente. La primera era, que quería ir a Versalles y ver los dominios de María Antonieta (una figura que también me tira mucho) y ya que estábamos, no podía dejar pasar la oportunidad de acercarme a ver el lugar donde vivió Marlene Dietrich sus últimos años.

¿Señales del destino? Las piernas de Marlene.

También, si no lo digo se me enfadaría Escolopendra, algo más banal rozando la morbosidad: Visitar el Pont de l´Alma, donde se encuentra el túnel donde falleció Lady Di en 1997.

Mi cupo de reinas ya estaba cubierto. La Reina del glamour Marlene, la Reina histórica por excelencia María Antonieta y la Reina del papel couché Diana de Gales. Lo que ignoraba, es que aparecería una más.

¿Podría un monumento ser más espantoso? 

El tiempo que pasamos en París nos dedicamos a ver todo lo que nos gusta e intentando buscar aquello que nos distinguiese de la mayoría de los visitantes. Intentamos no hacer la típica visita o foto, pero claro, estás en: ¡¡París!!

La Montez a las puertas de Versalles.

Como nuestros recursos son limitados y no sabemos si en un futuro volveríamos a visitar la ciudad, sería una falta grave no hacerse la foto con la Torre Eifell, el Arco del Triunfo, ver el Louvre, los almacenes Lafayette y alguna cosa más, común a todos los mortales.

Una vez cubiertas mis peticiones, me deje llevar por el buen hacer expedicionario de Escolopendra Venenossa y claro, tocó visitar las catacumbas, los cementerios... Esto también me gusta, pero no sentía ningún estrés si no conseguía verlo todo.

Reina del cromo.

En cuanto a los cementerios, la verdad es que visto uno los has visto todos, más si cabe, si son todos del mismo lugar. Siempre que salimos de viaje, hay cosas que solemos hacer por norma y que no pueden faltar: visitar el Museo Marítimo (si tiene), el Arqueológico, el Zoo y los cementerios.

Carmen Munsters nos recomendó el único cementerio que no vimos de los muchos que tiene la ciudad: el Cementerio del Père-Lachaise. Nos apunta, que en este cementerio reposa el cantante de The Doors.

"Tal vez a causa de tantos elementos exóticos su recuerdo es entrañable"
Terenci Moix

A mí este cantante no me interesa en absoluto, pero como mi lista de prioridades ya estaba cubierta, pese a mis quejas por ir a ver la tumba de este señor, que es una de las cosas que hace todo el mundo, decidimos ir en su busca.

Como he dicho, en nuestro peregrinaje cementeril, nos faltó el mencionado camposanto. A la “caza” de la tumba de Jim Morrison, vimos uno por uno todos los cementerios más famosos de la zona, muchas veces obviando los sepulcros de figuras más interesantes.

Scherezade de Oriente falsificado.

Gracias a que ya no nos quedaba más tiempo y que la paciencia de Escolopendra llegó a su límite, nos rendimos a las puertas del Cementerio de Montparnasse. Aquí no sabíamos todavía que nos habíamos equivocado otra vez. Escolopendra sabiamente me dijo: “Si no está aquí, yo paso de seguir visitando más cementerios, ¡¡estoy hasta las narices!!” O algo por el estilo.

Mirando en el plano de la entrada, examinando la situación de las tumbas de los personajes famosos, descubrimos que Morrison no se encontraba, pero la que sí que estaba era María Montez.

¿Te hace una Montez en vez de un Morrison?

Reina de la nostalgia.

Y nos adentramos en el cementerio en busca de la tumba de tan peculiar estrella. Lo bueno es que aquí, no había colas de admiradores. Además siempre resulta más original, con el riesgo de caer en la pedantería, decir que has visto la tumba de María Montez en vez de la de Morrison, posiblemente porque casi nadie sepa quién es.

¡¡Lo que piensen de mí, me lo paso por el Arco del Triunfo!!

He llegado a un punto en mi vida que pienso que tengo que tener algún enlace secreto con las estrellas de cine al igual que años atrás me pasaba con las vírgenes y santas… Largo de contar aquí. Pero el caso es que tiempo después de nuestra aventura parisina, se me apareció en sueños el espíritu de María Montez, más inexpresiva, dorada y con más perlas que nunca y me susurró al oído: ¡¡Coleccióname!!”. Así, si más explicaciones.

¡¡Si me lo pide una diva tan insolente, no puedo negarme!!

¡¡El triunfo de la voluntad!!

Como soy muy disciplinado, no la decepcionaría. Me puse a ver todas las películas que pude y a coleccionar. Había empezado el camino desde el final, visitando su tumba, así que tocaba ponerse al día.

Descubrí una figura única en su género. Creó su propio club de fans y se comportaba como una autentica reina fuera de los platós. También es verdad que reconocía que su éxito era relativo, cosa que no le impedía hacer declaraciones del tipo: “Si Hollywood es la ciudad del espectáculo, yo ofreceré el mío”.

Hipnotizando a una araña tan artificial como ella

Maria Montez, cursó estudios en un internado de Santa Cruz de Tenerife. De padre canario y madre originaria de Baní, nació en la Republica Dominicana donde su padre ejercía de Cónsul. Tras escaparse en numerosas ocasiones del internado, casarse a los diecisiete años, terminó aceptando la invitación de unos aristócratas germanos y se marchó a Nueva York, buscando lo que siempre había soñado: una vida artística y lujosa al estilo de lo contemplado en las películas.

Era una de las bellezas de su época y sus 1,68m de altura contenían a partes iguales, narcisismo, ambición, atractivo y elegancia. Muy limitada artísticamente, Terenci Moix lo resume muy bien: “No sabemos si invocamos a una actriz o a una estatua”.

¿Actriz o estatua?

Su paso por el cine fue corto, aunque estos fueron de auténtica gloria. Encarnó las necesidades de evasión en tiempos de guerra, convertida en la exótica estrella de disparates orientales llenos de sarongs, sedas, turbantes, suntuosidad y colorido.

Además de las películas citadas, se la puede ver igual de estatuaria en: “La reina de Cobra” (1944); “Sudan” (1945) “La Atlantida” (1948). En “La reina de Cobra”, se empeñó en consagrarse como actriz y aunque los críticos ya sabían que no era una Vivien Leigh, algunos pregonaron que no esperaban tanta incompetencia.

La Reina de Cobra.

Vivió creyéndose una Reina hasta su muerte en París el 7 de septiembre de 1951 a los 39 años. Tenía problemas de sobrepeso, por lo que durante sus baños de agua caliente y sales adelgazantes, se le paró el corazón y fue encontrada sumergida en la bañera.

Reinado fugaz para alguien que pensaba: “cada vez que me miro al espejo me viene el impulso de gritar: ¡soy tan hermosa!”.

El 2010 lo recuerdo con especial cariño y si lo resumiera sería así: el año de nuestro viaje a París, el del Citroën 2cv y en el que redescubrí a María Montez.

“Quisiera tocar el firmamento para convertirme en una estrella lejana, pero fulgurante y bella, así todos me recordarán por lo que una vez llegué a ser.”

Venenosos salu2 desde Crystal Lake!!

Las fotografías forman parte de mi colección.